Henri Matisse vollendete seine vier Blauen Akte 1952 in Nizza, zwei Jahre vor seinem Tod. Jedes Werk zeigt eine sitzende Frauenfigur aus blauem, mit Gouache bemaltem Papier, die auf hellem Grund angeordnet ist.

Die Serie gehört zur letzten Schaffensphase von Henri Matisse, als Schere, Stecknadeln und bemalte Papierbögen zu seinen wichtigsten Werkzeugen wurden. Die Figuren wirken einfach, doch ihre Posen entstanden durch wiederholtes Schneiden und Neuanordnen. In ihren verdichteten Körpern laufen Ideen zusammen, die Matisse mehr als vierzig Jahre lang in Malerei, Zeichnung und Skulptur erprobt hatte.

Was die vier Scherenschnitte zeigen

Die Gruppe besteht aus Blauer Akt I, Blauer Akt II, Blauer Akt III und Blauer Akt IV. Alle vier Werke entstanden 1952 und zeigen Variationen eines sitzenden oder kauernden weiblichen Körpers. Angewinkelte Knie, überkreuzte Gliedmaßen und erhobene Arme füllen den größten Teil der jeweils vertikalen Komposition.

Matisse schnitt den Körper nicht als geschlossene Silhouette aus. Er zerlegte ihn in einzelne Teile für Rumpf, Brüste, Arme, Beine, Kopf und Haare. Zwischen vielen dieser Elemente bleiben schmale Streifen des unbedeckten Hintergrunds sichtbar. Diese hellen Zwischenräume markieren Gelenke und Konturen, die normalerweise durch gezeichnete Linien entstehen würden.

Die vier Werke sind keine identischen Wiederholungen. In Blauer Akt II wölbt sich der linke Arm der Figur hinter ihrem Kopf, während die angewinkelten Beine eine kompakte Basis bilden. Blauer Akt III besitzt einen aufrechteren Rumpf und eine deutlichere Trennung der Beine. Blauer Akt IV wirkt kompakt und eng verzahnt, ein Ergebnis des langen Überarbeitungsprozesses, der der endgültigen Anordnung vorausging.

Die Pose beschäftigte Matisse bereits seit Jahrzehnten. Seine Skulptur La Serpentine von 1909 verwandelt einen stehenden Körper in eine Folge gewundener Kurven. Beim Großen liegenden Akt, den er zwischen 1935 und 1936 malte, veränderte er wiederholt die Proportionen des Modells und hielt die einzelnen Stadien fotografisch fest. Die Figuren von 1952 übertragen dieselbe Arbeitsweise des Überarbeitens auf farbiges Papier.

Sie gehören außerdem zu einer längeren Geschichte blauer Körper in seinem Werk. Blauer Akt, Erinnerung an Biskra, 1907 nach einer Algerienreise gemalt, zeigt eine stark modellierte liegende Figur in einer Landschaft. In der späteren Serie verzichtete Matisse auf Modellierung, Gesichtszüge und räumliche Umgebung. Farbe und Schnittkanten tragen nun allein die Pose.

Wie die Schere den Pinsel ersetzte

Matisse wandte sich dem Papierschnitt lange vor dieser Serie zu. Bereits in den 1930er-Jahren verwendete er Papierformen bei der Planung von Wandgemälden und Bühnenbildern. Nach 1941 wurde die Methode zum Mittelpunkt seiner Arbeit, als seine Beweglichkeit infolge einer Operation wegen Unterleibskrebs eingeschränkt war und er lange Zeit im Bett oder im Rollstuhl verbringen musste.

Die körperliche Einschränkung erklärt einen Teil dieser Veränderung, nicht aber die künstlerische Entscheidung. Mit angepassten Werkzeugen konnte Matisse weiterhin zeichnen und malen. Der Papierschnitt bot ihm jedoch etwas anderes: Farbfläche und Umriss entstanden in einem einzigen Arbeitsgang, statt nacheinander durch Zeichnen und Malen aufgebaut zu werden.

Seine Assistentinnen bereiteten Bögen mit Linel-Gouache vor, einer deckenden, handelsüblichen Farbe, die in kräftigen Farbtönen erhältlich war. Matisse wählte die Farben aus und schnitt mit der Schere direkt in die getrockneten Bögen. Anschließend befestigten die Assistentinnen die Teile mit Stecknadeln auf Papier oder an der Studiowand, deren Position er verändern ließ.

Lydia Delectorskaya spielte in diesen Jahren eine wichtige Rolle im Atelier. Seit den 1930er-Jahren arbeitete sie für Matisse als Modell, Assistentin und Atelierleiterin. Ihre Aufzeichnungen und Fotografien dokumentieren einen Prozess, bei dem ausgeschnittene Elemente Tage oder Monate lang mit Nadeln befestigt blieben, bevor sie endgültig montiert wurden.

Die Stecknadeln ermöglichten Änderungen, ohne die gesamte Anordnung zu beschädigen. Ein Oberschenkel ließ sich um mehrere Zentimeter verschieben, ein Arm drehen oder der Rumpf durch einen zusätzlichen Streifen verbreitern. Matisse ließ Schnittreste mitunter auf dem Boden liegen, weil eine verworfene Kurve an einer anderen Stelle der Figur eine Lösung bieten konnte.

Er nannte die Methode 'Zeichnen mit der Schere'. Diese Formulierung ist präzise, nicht poetisch. Die bewegten Klingen erzeugten gleichzeitig eine Außenkante und eine innere Form. So konnte Matisse Farbe, Kontur und Proportion in einem durchgehenden Schnitt beurteilen.

Blauer Akt IV war Berichten zufolge die erste Komposition, die für die Gruppe entwickelt wurde, und erforderte zahlreiche Anpassungen. Erhaltene Studien zeigen, wie Teile ersetzt und neu positioniert wurden, bis die Gliedmaßen ineinandergriffen. Nachdem Matisse diese Struktur gelöst hatte, ließen sich die verwandten Figuren schneller anfertigen.

Ein wichtiger Vorläufer dieses Verfahrens war Jazz, 1947 von Tériade veröffentlicht. Die zwanzig Tafeln basierten auf Scherenschnittkompositionen und wurden im Pochoir-Verfahren reproduziert, einer Schablonentechnik, bei der einzelne Farbflächen getrennt aufgetragen werden. Die Figuren von 1952 blieben dagegen einzigartige Ateliercollagen und waren nicht als Buchseiten konzipiert.

Warum Matisse Blau wählte

Durch die Beschränkung auf eine einzige Farbe erscheint jedes ausgeschnittene Fragment als Teil desselben Körpers. Hätte Matisse mehrere Farben verwendet, hätten die einzelnen Gliedmaßen wie voneinander unabhängige Objekte wirken können. Das Blau verbindet die Teile, während der helle Hintergrund die Binnenzeichnung liefert.

Die Farbe ist intensiv, wirkt aber optisch stabil. Rot scheint vor einem weißen Grund häufig nach vorn zu treten, während ein tiefes Blau weiter hinten liegen kann. Matisse wirkte diesem Zurückweichen entgegen, indem er die Figur so groß anlegte, dass sie nahezu den gesamten Bogen einnimmt. Das Ergebnis wechselt in der Wahrnehmung zwischen einer flachen Papieranordnung und einem Körper mit Gewicht.

Auch die Gouache trägt zu diesem Effekt bei. Anders als transparente Aquarellfarbe bildet sie eine deckende, matte Schicht, die das darunterliegende Papier weitgehend verbirgt. Die Oberfläche absorbiert Licht, statt es wie Ölfarbe oder glänzende Druckfarbe zu reflektieren.

Bereits in seinem Text Notizen eines Malers von 1908 hatte Matisse für eine expressive statt beschreibende Verwendung der Farbe plädiert. Er glaubte nicht, dass Farbe beobachtete Haut, Stoffe oder Tageslicht nachahmen müsse. Ihre Aufgabe ergab sich aus ihrer Beziehung zu den übrigen Farben und Formen der Komposition.

Blau sollte daher nicht als feststehendes Symbol entschlüsselt werden. Es kann an Schatten, Entfernung, Wasser oder mediterranes Licht erinnern, doch keine dieser Assoziationen erklärt jedes Werk. Seine praktische Funktion ist auf dem Blatt unmittelbar zu erkennen: Ein einziger gesättigter Farbton hält den fragmentierten Körper zusammen.

Körper aus Zwischenräumen und Kurven

Die Figuren vermitteln Bewegung ohne Gesichtsausdruck, Finger oder anatomische Schattierung. Ein erhobener Ellbogen gibt eine Richtung vor. Ein diagonal verlaufender Oberschenkel verleiht dem Körper Gewicht. Der Winkel zwischen Kopf und Schulter deutet Spannung an, obwohl kein Hals eingezeichnet ist.

Der Negativraum übernimmt einen großen Teil der anatomischen Beschreibung. In Blauer Akt II trennt ein heller Kanal den angewinkelten Arm vom Kopf. Andere Zwischenräume teilen die Brüste, definieren den Bauch und verhindern, dass die überkreuzten Beine zu einer einzigen geschlossenen Masse werden. Matisse schnitt diese Flächen ebenso sorgfältig wie die blauen Teile, die sie umgeben.

Mehrere Formen widersetzen sich bewusst der anatomischen Genauigkeit. Die Füße werden zu stumpfen Enden, die Hände verlieren ihre einzelnen Finger und der Kopf kann an ein Blatt oder eine Maske erinnern. Matisse behielt jene Teile bei, die nötig waren, um Pose und Gleichgewicht zu erkennen, und entfernte Details, die der Komposition nicht dienten.

Die sitzende Haltung stellt ein schwieriges visuelles Problem dar, weil sich die Gliedmaßen überschneiden und der Rumpf zusammenzieht. Matisse löste es, indem er einige Kurven verbreiterte und andere verdichtete. Ein Bein kann dicker sein, als es die natürliche Anatomie verlangt, weil es das optische Gewicht darüber tragen muss.

Auch die Drehung hält jeden Körper in Bewegung. Die Knie weisen in eine Richtung, während Schultern und Kopf in eine andere gedreht sind. Dieser Gegensatz verhindert, dass die Figur wie ein statisches Emblem wirkt, obwohl jedes Papierelement vollkommen flach ist.

Aus der Nähe zeigen die Originale leichte Unterschiede im Druck der Schnittkanten, Nadellöcher und die Übergänge zwischen den einzelnen Teilen. Reproduktionen übertragen diese physischen Details in gedruckte Spuren. Ein guter Druck bewahrt die unregelmäßigen Konturen und die offenen Hintergrundflächen, kann jedoch das flache Relief der übereinanderliegenden Papierschichten nicht wiedergeben. Deshalb ist eine sorgfältig gefertigte Reproduktion für Wohnräume häufig eine sinnvolle Wahl: Die Originale sind Museumswerke, während ein matter Druck Form und Farbe wiedergibt, ohne vorzugeben, selbst die Collage zu sein.

Diese Drucke zu Hause präsentieren

Ein Druck mit einer Scherenschnittfigur wirkt am besten, wenn um seine Außenkante genügend freie Wandfläche bleibt. Der Körper füllt bereits fast den gesamten Bogen. Wird das Bild zwischen Regale oder kleinere Bilder gedrängt, kann die Pose beengt wirken. Nach unserer Erfahrung wirken diese Werke am überzeugendsten als einzelne vertikale Akzente und weniger als Teil einer dicht gehängten Galeriewand.

In neutralen Räumen kommt das Blau besonders kontrastreich zur Geltung. Gebrochenes Weiß, warmes Grau, Kalkstein und helles Holz lassen die Farbe klar erscheinen, ohne den Raum kühl wirken zu lassen. Wählen Sie in einem blauen Interieur eine Wandfarbe, die deutlich heller oder dunkler als der Druck ist. Ein nahezu identischer Farbton kann die Figur flach erscheinen lassen und ihren Umriss undeutlich machen.

Ein schmaler schwarzer Aluminiumrahmen greift das dunkle optische Gewicht der Figur auf, ohne eine weitere Farbe einzuführen. Helles Kiefernholz wirkt neben cremefarbenen Wänden und natürlichen Textilien weicher. Magnetrahmen lassen sich leicht wechseln, doch das Werk bleibt darin unverglast. Für Küchen, Badezimmer oder Orte mit starker direkter Sonneneinstrahlung sind sie daher ungeeignet.

Mattes Fine-Art-Papier ist einem glänzenden Material vorzuziehen, da es dem lichtabsorbierenden Charakter von Gouache näherkommt. Glas erzeugt dennoch Spiegelungen. Hängen Sie einen gerahmten Druck deshalb nicht direkt gegenüber einem unverdeckten Fenster auf. Unsere Kollektion von Henri Matisse umfasst vertikale Figurenstudien und Ausstellungsentwürfe, die sich über die Farbgebung miteinander verbinden lassen, ohne dasselbe Motiv zu wiederholen.

Schon gewusst?

• Matisse war 82 Jahre alt, als er diese Gruppe 1952 schuf.
• Bereits 45 Jahre zuvor hatte der Künstler in Blauer Akt, Erinnerung an Biskra Blau für einen umstrittenen Akt verwendet.
• Jazz war ursprünglich unter dem Titel Zirkus geplant, bevor der Verleger Tériade ihn änderte.
• Die zwanzig Farbtafeln der Ausgabe von Jazz aus dem Jahr 1947 wurden im Pochoir-Verfahren statt im herkömmlichen Vierfarbdruck reproduziert.
• Bei der Planung der Glasfenster und der Keramikdekoration für die Chapelle du Rosaire in Vence verwendete Matisse lebensgroße Scherenschnittmodelle.
• Die Schnecke, ein Jahr später entstanden, misst sowohl in der Höhe als auch in der Breite fast drei Meter.
• Matisse starb am 3. November 1954 in Nizza, weniger als drei Jahre nach der Vollendung der Serie.

Kurze Antworten auf häufige Fragen

Sind die Originale Gemälde oder Collagen? Es handelt sich um einzigartige Collagen aus mit Gouache bemaltem Papier, die später auf einen Träger montiert wurden. Die sichtbaren Verbindungsstellen und das leichte Papierrelief unterscheiden sie von bemalten Leinwänden und gedruckten Auflagen.

Wo kann ich ein Original sehen? Blauer Akt II gehört zum Musée National d'Art Moderne im Centre Pompidou in Paris, während Blauer Akt IV mit dem Musée Matisse in Nizza verbunden ist. Die Präsentation kann wechseln. Prüfen Sie daher vor Ihrer Reise die aktuellen Ausstellungsangaben des jeweiligen Museums.

Gehört der Blaue Akt von 1907 zur Serie? Nein. Blauer Akt, Erinnerung an Biskra ist ein Ölgemälde von 1907 und gehört dem Baltimore Museum of Art. Das Werk teilt die Farbe und das Aktmotiv mit der Serie, entstand jedoch 45 Jahre vor den Papierarbeiten.

Woran erkenne ich eine gute Reproduktion? Achten Sie auf eine matte Papieroberfläche, klar abgegrenzte helle Zwischenräume zwischen den Gliedmaßen und ein sattes Blau, bei dem die ursprünglichen Unregelmäßigkeiten der Kanten erhalten bleiben. Starker Glanz kann Spiegelungen hervorrufen, während übermäßiges digitales Nachschärfen die Schnittkonturen unnatürlich hart erscheinen lässt.

Sollte ich den Druck mit einem Passepartout rahmen? Ein schmales, gebrochen weißes Passepartout kann verhindern, dass das Papier die Verglasung berührt, und gibt der raumfüllenden Figur mehr Platz. Rein weiße Passepartouts können warmes Fine-Art-Papier gelblich erscheinen lassen. Vergleichen Sie deshalb Papier und Passepartout bei Tageslicht, bevor Sie den Druck rahmen.

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Über die Autoren

Das Team von MORYARTY arbeitet seit 2015 mit Reproduktionen von Vintage-Postern und Ausstellungsgrafiken. Von Barcelona und Lissabon aus beschäftigen wir uns seit mehr als einem Jahrzehnt damit, wie historische Farben, Papierstrukturen und Druckformate in Kunst für zeitgenössische Wohnräume übersetzt werden können.

Quellen

• Museum of Modern Art. Henri Matisse: Die Scherenschnitte
• Museum of Modern Art. Künstlerporträt Henri Matisse
• The Metropolitan Museum of Art. Henri Matisse 1869–1954
• Tate. Henri Matisse
• Musée Matisse Nice