Paul Klee schuf im Laufe seiner Karriere mehr als 9.000 Werke. Sein Weg führte ihn durch den Expressionismus und die Abstraktion, ans Bauhaus sowie durch die politischen Umbrüche im Deutschland der 1930er-Jahre. Wer sich mit den berühmten Gemälden von Paul Klee beschäftigt, bemerkt schnell ihre Vielfalt: kleine Aquarelle, große Leinwände aus geometrischen Rastern, erfundene Symbole und scharf umrissene Figuren.

Die folgenden zehn Werke zeichnen diese Entwicklung chronologisch nach. Jedes wurde aufgrund seiner Bedeutung für die Laufbahn Paul Klees, seiner Präsenz in einer wichtigen Museumssammlung oder seines Einflusses auf die heutige Wahrnehmung seiner Kunst ausgewählt.

Wie die Gemälde ausgewählt wurden

Klee arbeitete mit Öl, Aquarell, Tempera, Tusche und Kreide sowie mit einem selbst entwickelten Umdruckverfahren. Eine ausgewogene Auswahl muss mehr als seine farbenfrohen geometrischen Kompositionen zeigen. Dazu gehören auch seine Zeichnungen, Figuren, Tiere, Symbole und späten Gemälde auf grobem Gewebe.

Die Anerkennung durch Museen war ein weiteres Auswahlkriterium. Mehrere Werke gehören Institutionen mit bedeutenden Beständen, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Kunstmuseum Bern, das Zentrum Paul Klee, das Solomon R. Guggenheim Museum und das Philadelphia Museum of Art. Ihre konservatorischen Dokumentationen liefern verlässliche Angaben zu Materialien, die auf Reproduktionen leicht verborgen bleiben.

Auch die Bekanntheit spielte eine Rolle, gab jedoch nicht allein den Ausschlag. Zwitscher-Maschine und Katze und Vogel sind vertraute Motive, doch Im Stil von Kairouan zeigt die Dimension der Farbexperimente von Klee. Die späten Werke wurden aufgenommen, weil sie der Vorstellung widersprechen, seine Kunst sei zeitlebens zart oder verspielt geblieben.

Frühe Durchbrüche mit Farbe

1. Hammamet mit seiner Moschee, 1914

Klee reiste im April 1914 mit den deutschen Künstlern August Macke und Louis Moilliet nach Tunesien. Sie besuchten Tunis, St Germain, Hammamet und Kairouan und hielten Innenhöfe, Gärten und nordafrikanische Architektur in Aquarellen fest.

Hammamet mit seiner Moschee bewahrt einen erkennbaren Turm und eine Reihe von Gebäuden, doch im unteren Teil löst sich die Stadt in transparente Blöcke aus Rosa, Grün, Gelb und Blau auf. Klee ließ zwischen mehreren Farbflächen das weiße Papier sichtbar. Dadurch bleiben die Farben voneinander getrennt, statt sich zu trüben.

Die Reise dauerte weniger als einen Monat, veränderte aber seine Arbeitsweise. Der Tagebucheintrag aus Kairouan enthält den oft zitierten Satz, die Farbe habe ihn in Besitz genommen. In seinen früheren Arbeiten hatte die Linie dominiert, während die tunesischen Blätter die Farbe zur tragenden Struktur des Bildes machten.

2. Im Stil von Kairouan, 1914

Später im Jahr 1914 übertrug Klee diese Aquarellexperimente in eine ungewöhnlich große Komposition. Der vollständige Titel Im Stil von Kairouan, in gemäßigter Weise übertragen macht deutlich, dass er seine Beobachtungen aus Tunesien neu bearbeitete, statt die Stadt unmittelbar abzubilden.

Die Komposition ist mehr als zwei Meter hoch. Rechtecke, Kreise und unregelmäßige Flächen füllen die Bildfläche, ohne dass ein herkömmlicher Horizont Erde und Himmel trennt. Einige vereinfachte Bäume und Kuppeln bleiben im Raster erhalten und zeigen, wie die Architektur den Ausgangspunkt für die Abstraktion bildete.

Das Format unterscheidet das Werk von den vielen kleinformatigen Arbeiten auf Papier. Klee erprobte, ob die transparenten Farbbeziehungen eines kleinen Aquarells auch auf einer Fläche zusammenhalten, deren Größe dem Betrachter körperlich gegenübertritt.

3. Angelus Novus, 1920

Klee schuf Angelus Novus mit Aquarell und Ölpause. Bei dieser Technik legte er eingefärbtes Papier unter ein sauberes Blatt und zeichnete seinen ursprünglichen Entwurf nach. Durch den Druck entstand eine ungleichmäßige schwarze Linie, die wie gedruckt wirkt und dennoch das Zögern einer Zeichnung bewahrt.

Der Philosoph Walter Benjamin kaufte das Werk 1921. In seinem Essay Über den Begriff der Geschichte von 1940 beschrieb Benjamin es als den 'Engel der Geschichte', der mit dem Blick auf die Trümmer der Vergangenheit in die Zukunft getrieben wird. Klee selbst gab dem Bild diese politische Bedeutung nicht, doch durch Benjamins Deutung wurde die kleine Arbeit Teil der Philosophie des 20. Jahrhunderts.

Das Werk gehört heute dem Israel Museum in Jerusalem. Seine Bekanntheit beruht auf der Verbindung zweier Ideen: dem erfundenen Engel von Klee und Benjamins Reaktion auf Faschismus, Exil und historische Katastrophen.

Die Jahre am Bauhaus

Walter Gropius berief Klee 1920 ans Bauhaus, wo er 1921 in Weimar zu unterrichten begann. Klee bereitete ausführliche Vorlesungen über Farbe, Bewegung und Bildaufbau vor und malte zugleich weiterhin in einem Zimmer zu Hause. Sein Unterricht schrieb keinen einheitlichen Bauhaus-Stil vor, zwang ihn jedoch dazu, Entscheidungen zu erläutern, die viele Künstler als rein intuitiv betrachteten.

4. Roter Ballon, 1922

In Roter Ballon, heute im Solomon R. Guggenheim Museum, schwebt ein roter Kreis über einer dicht gedrängten Stadt. Klee malte das Werk mit Öl auf Musselin, dessen sichtbare Webstruktur der farbigen Oberfläche eine trockenere Textur verleiht als eine glatte, grundierte Leinwand.

Die Stadt ist aus Rechtecken, Dreiecken und abgestuften Formen zusammengesetzt. Klee hielt den Ballon deutlich erkennbar, indem er ihn mit gedämpften Rosa-, Braun- und Grüntönen umgab. Eine dünne Leine verbindet den Kreis mit den Gebäuden, ohne ihn an einem realistischen Ort zu verankern.

Das Bild zeigt, wie er Gegenständlichkeit und Abstraktion ausbalancierte. Man erkennt einen Ballon und Dächer, doch das Bild funktioniert zunächst als Anordnung von Formen und erst danach als Ansicht eines Ortes.

5. Zwitscher-Maschine, 1922

Vier vogelartige Wesen sitzen auf einem Draht, der mit einer Handkurbel verbunden ist. Ihre geöffneten Schnäbel deuten Gesang an, doch der Drehmechanismus lässt vermuten, dass der Klang sich wiederholt, erzwungen oder mechanisch ist.

Klee erzeugte die schwarzen Konturen durch Ölpause und trug anschließend Aquarell in blassen Blau-, Rosa- und Violetttönen auf. Das Museum of Modern Art führt das Blatt als Aquarell sowie Feder und Tusche über einer Ölpause auf Papier. Diese übereinanderliegenden Materialien erklären, warum die Linie rauer wirkt als bei einer gewöhnlichen Federzeichnung.

Der Titel lautet im Deutschen Zwitscher-Maschine. Die Verbindung lebender Vögel mit einem bedienbaren Apparat passt in die Zeit am Bauhaus, als Künstler und Designer darüber diskutierten, wie Körper, Maschinen und industrielle Produktion zusammenwirken sollten.

6. Senecio, 1922

Senecio zeigt ein Gesicht, das in farbige Quadrate und geschwungene Partien unterteilt ist. Zwei kreisrunde Augen liegen auf unterschiedlicher Höhe, während der Mund auf einen kurzen waagerechten Strich reduziert ist. Der Titel kann sich auf die Pflanzengattung Senecio beziehen, erinnert aber auch an das lateinische Wort für einen alten Mann.

Klee malte das Werk auf Gaze, die auf eine Platte aufgezogen war, statt auf einer gewöhnlichen gespannten Leinwand. Die Struktur des Gewebes bleibt unter der dünnen Farbschicht sichtbar und verhindert, dass die geometrischen Teilungen mechanisch flach wirken.

Die asymmetrischen Augen und der kleine Mund verleihen dem Kopf einen theatralischen Ausdruck, ohne ihn realistisch zu modellieren. Klee hatte sich zu Beginn seiner Laufbahn mit Karikaturen beschäftigt, und das überzeichnete Gesicht bewahrt dieses Interesse unter seiner geometrischen Konstruktion.

7. Fischzauber, 1925

Fische, Pflanzen, eine Uhr, ein Kreuz und eine kleine menschliche Figur erscheinen vor dem dunkelblauen bis schwarzen Grund von Fischzauber. Klee behandelte die Oberfläche wie eine Nachtszene, in der einzelne Objekte in unterschiedlichen Tiefen hervortreten.

Zu den Materialien gehören Öl, Aquarell und Tusche auf Leinwand. Nahe der Mitte wurde ein quadratisches Stück Musselin befestigt, über das Klee einen Teil der Komposition malte. Der Rand ist auf Reproduktionen kaum zu erkennen, bildet jedoch eine physische Schicht innerhalb des imaginären Raums.

Walter und Louise Arensberg erwarben das Gemälde 1937 und übergaben ihre Sammlung später dem Philadelphia Museum of Art. Die Mischung aus Wasserlebewesen, Zeichen und Gegenständen zeigt, weshalb sich die Bilder von Klee nur schwer eindeutig als abstrakt oder figurativ einordnen lassen.

8. Katze und Vogel, 1928

Der Kopf einer Katze füllt fast die gesamte Bildfläche, während ein kleiner Vogel über ihrer Stirn sitzt. Die Augen der Katze sind auf den Vogel gerichtet. So wird das Begehren des Tieres zum eigentlichen Thema, ohne dass eine Jagd oder ein Fang gezeigt wird.

Klee verwendete Öl und Tusche auf einer mit Gesso grundierten Leinwand, die auf Holz aufgezogen wurde. Das Gesso bildet einen hellen, saugfähigen Grund, während dünne Schichten aus Rosa und Rostrot eingeritzte und gezeichnete Spuren sichtbar lassen.

In der Mitte des Gesichts sitzt eine herzförmige Nase. Die Position des Vogels über den Augen lässt ihn eher wie eine Vorstellung im Kopf der Katze erscheinen als wie einen Vogel im Raum. Das Museum of Modern Art erwarb das Gemälde 1939, ein Jahr vor dem Tod von Klee.

Große Formate und die Intensität des Spätwerks

Klee verließ das Bauhaus 1931 und übernahm eine Lehrtätigkeit an der Kunstakademie Düsseldorf. Die Nationalsozialisten entließen ihn im April 1933, die Polizei durchsuchte sein Haus, und Ende des Jahres kehrte er nach Bern zurück. Sein Gesundheitszustand verschlechterte sich ab 1935, obwohl seine Produktivität 1939 noch einmal deutlich zunahm.

9. Ad Parnassum, 1932

Ad Parnassum gehört mit etwa einem Meter Höhe und 1,26 Metern Breite zu den größten Gemälden von Klee. Er baute die Oberfläche aus Hunderten kleiner farbiger Zeichen über einem mehrschichtigen Grund auf und setzte anschließend eine vereinfachte Pyramide oder einen Berg hinter einen orangefarbenen Kreis.

Der Titel verweist auf den Parnass, der in der griechischen Mythologie mit Apollo und den Musen verbunden ist. Er erinnert außerdem an die Musiklehre von Johann Joseph Fux, Gradus ad Parnassum von 1725, ein Lehrbuch des Kontrapunkts. Klee war ausgebildeter Geiger, und die wiederholten Farbeinheiten boten ihm eine bildliche Entsprechung für Rhythmus und Variation.

Anders als die Punkte des Pointillismus im 19. Jahrhundert verschmelzen die Zeichen von Klee optisch nicht zu einer naturalistischen Szene. Sie bilden ein strukturiertes Feld um einige große geometrische Zeichen. Das Gemälde befindet sich heute im Kunstmuseum Bern.

10. Tod und Feuer, 1940

Klee vollendete Tod und Feuer im letzten Jahr seines Lebens. Er litt an einer Krankheit, die heute allgemein als systemische Sklerose identifiziert wird und seine Haut sowie seine Beweglichkeit beeinträchtigte.

Ein heller, schädelartiger Kopf nimmt die Mitte ein, umgeben von dicken schwarzen Zeichen und einer roten Form. Das deutsche Wort Tod lässt sich im Gesicht und in den angrenzenden Formen erkennen. Ein T erscheint in der Gesichtsstruktur, kreisförmige Augen deuten ein O an und seitlich befindet sich eine D-ähnliche Form.

Klee verwendete farbige Kleisterfarbe auf Jute, einem groben Bildträger, der zu den schweren Konturen seines Spätwerks passt. Die fragilen transparenten Farbflächen von 1914 sind dichtem Pigment und unvermittelten Symbolen gewichen. Das Bild setzt sich unmittelbar mit der Sterblichkeit auseinander. Klee starb am 29. Juni 1940 bei Locarno.

Einen Druck von Klee für die Wand auswählen

Beginnen Sie mit der Farbe und nicht mit der Bekanntheit. Die hellen Blautöne und staubigen Rosatöne der tunesischen Aquarelle harmonieren mit Räumen, in denen helles Holz, Leinen und warmweiße Wände vorherrschen. Dunklere Werke wie Fischzauber benötigen einen stärkeren Kontrast in ihrer Umgebung und genügend Licht, damit ihre kleineren Symbole aus der Entfernung nicht verschwinden.

Das Motiv prägt die Stimmung ebenso sehr wie die Farbpalette. Architektonische Raster wirken geordnet, während Vögel, Katzen und erfundene Pflanzen erkennbare Formen einführen, ohne zu wörtlichen Illustrationen zu werden. Unsere Paul-Klee-Kollektion umfasst beide Ansätze. So lassen sich geometrische Kompositionen wie Farbenfrohe Architektur mit weicheren Aquarellen wie Freie Formen vergleichen.

Das Format sollte sich nach der Wand richten. Hochformatige Werke passen in schmale Bereiche neben einem Bücherregal oder einer Tür, während quadratische Kompositionen über niedrigen Schränken gut zur Geltung kommen. Nach unserer Erfahrung bleiben die feinen Linien von Klee in A3 oder A2 leichter lesbar. Eine Gruppe kleinerer A5-Drucke kann dagegen den intimen Maßstab seiner Arbeiten auf Papier aufgreifen.

Vor der Rahmung sollten die jeweiligen Vor- und Nachteile bedacht werden. Ein schwarzer Aluminiumrahmen gibt geometrischen Bildern einen klaren Abschluss, während helles Kiefernholz neben Aquarelltönen weicher wirkt. Magnetrahmen bieten dem Druck weniger Schutz und eignen sich deshalb für feuchte Küchen oder Plätze mit direkter Sonneneinstrahlung nur bedingt. Dort schützt ein verglaster Rahmen das Papier besser. MORYARTY bietet eine kostenlose Rahmung an. Ungerahmte Drucke sind ab 6 € und gerahmte Ausführungen ab 16 € erhältlich.

Schon gewusst?

• Klee war ein versierter Geiger und spielte im Berner Stadtorchester, bevor er sich ganz der bildenden Kunst widmete.
• Ab 1911 katalogisierte er seine eigenen Werke und verzeichnete Nummern, Titel, Daten, Materialien und Eigentümer.
• Zwischen 1916 und 1925 fertigte Klee für seinen Sohn Felix etwa 50 Handpuppen aus Materialien wie Stoff, Gips, Knochen und Steckdosen an.
• Siebzehn seiner Werke waren 1937 in der nationalsozialistischen Ausstellung Entartete Kunst in München zu sehen.
• Die Inschrift auf seinem Grab zitiert seine eigenen Worte darüber, dass er im Diesseits nicht zu fassen sei, da er ebenso gut bei den Toten wie bei den Ungeborenen wohne.
• Das Gebäude des Zentrum Paul Klee in Bern wurde von Renzo Piano entworfen und 2005 eröffnet.

Häufig gestellte Fragen, kurz beantwortet

Wo kann ich die größte Sammlung mit Werken von Klee sehen? Das Zentrum Paul Klee in Bern besitzt rund 4.000 Werke, was nahezu 40 Prozent seines dokumentierten Schaffens entspricht. Da viele Arbeiten auf Papier nur kontrolliertem Licht ausgesetzt werden dürfen, um das Verblassen zu verlangsamen, kann stets nur ein Teil gezeigt werden.

Wie unterscheide ich ein Original von Klee von einer Kopie? Prüfen Sie Bildträger, Technik, Provenienz und Werknummer im neubändigen Werkverzeichnis der Paul Klee-Stiftung. Eine Signatur allein beweist wenig, da sich seine Unterschriften und Monogramme leicht kopieren lassen.

Wie wird Klee ausgesprochen? Der Name wird im Deutschen einsilbig ausgesprochen, wie das Wort Klee. Der Vorname Paul klingt deutsch und nicht wie das englische 'Paul'.

Sind die Bilder von Klee in Europa noch urheberrechtlich geschützt? Klee starb 1940. Damit lief die in Europa übliche Schutzfrist von 70 Jahren nach dem Tod des Urhebers Ende 2010 ab. Museumsfotografien können je nach Land und Aufnahme weiterhin eigenen Rechten unterliegen.

Mit welchem Werk von Klee sollte ich beginnen, wenn ich einen Druck suche? Für einen hellen, ungezwungenen Raum ist ein tunesisches Aquarell wie Hammamet eine verlässliche erste Wahl, da es mit fast jedem Holzton harmoniert. Wenn Ihre Wände bereits lebhaft gestaltet sind, lässt sich ein einzelnes kontrastreiches Werk wie Senecio aus größerer Entfernung klarer erfassen als ein dichtes Raster.

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Über den Autor

MORYARTY kuratiert seit 2015 Reproduktionen von Vintage-Postern. Das Team arbeitet in Barcelona und Lissabon mit Vertriebspartnern in ganz Europa. Unser Schwerpunkt liegt auf Motiven der Moderne und des Bauhauses. Dabei entscheiden der Papierton, die Linienstärke und ein präziser Bildausschnitt darüber, ob eine Reproduktion den Charakter des dokumentierten Kunstwerks bewahrt.

Quellen

• Zentrum Paul Klee. Paul Klee
• Museum of Modern Art. Paul Klee
• Solomon R. Guggenheim Museum. Roter Ballon
• Philadelphia Museum of Art. Fischzauber
• The Metropolitan Museum of Art. Paul Klee